作者：池俊（中国梅兰芳文化艺术研究会副会长） 在我看来，歌剧以“戏”为形式，以“乐”为灵魂。这首先是“倾听”的艺术。过去，老北京人不讲“看戏”，只讲“听戏”。 “听”字体现了音乐在歌剧中的中心地位。歌剧被誉为“歌剧是通过音乐传送的”。舞台上充满了悠扬的歌声，铿锵有力的锣鼓，曼妙的丝竹，越剧《红楼梦》中的“林姐姐从天而降”，越剧《花》中的“林姐姐”，《花木兰》中的“谁说女不如男”，京剧《女七姐》中的《还乡》中的黄梅戏《那场比赛》 《奥尔夫诸仙》堪称一切“世界名曲”。一首伟大的咏叹调可以起到点睛之笔，让一种歌剧“过去”，让一部戏剧“活”起来，让观众拍手叫好。“好的”。 梅兰芳在北京护国寺住所指导梅葆玖唱歌、王少卿弹琴 欢乐传教：歌剧音乐的根源 歌剧音乐植根于中国音乐的沃土，传达着中国人民的情感。它的起源可以追溯到古代巫术。先民们用歌舞来祭祀、抒发情感，形成了音乐的原始基因；先秦诗词音乐实现了文学与旋律的初步结合；哈朝“百戏”兼容号角、杂技、歌舞等多种形式，拓展了音乐表现的空间；唐代的“歌舞戏”以歌舞角色增强了音乐的叙事性。 宋元时期，戏曲音乐取得了重大突破。南戏吸收了民间小调的活泼节奏，和南戏的节奏，实现了音乐与叙事的系统融合，成为历史上第一个成熟的“以歌舞讲故事”的戏剧形式，标志着戏曲艺术的诞生；元曲以北戏为声腔基础，建立了“一人领唱”制度，加强了人物塑造。 明清时期，戏曲音乐进入成熟阶段。昆剧《水墨调》秉承“依词而行”的原则，流畅地打磨每个字的读音、绘图，让文学与音乐无缝融合；梆子腔、皮黄腔以其独特的节奏变化和高声特点，赋予音乐更强的张力，满足复杂情节情感表达的需要。 经过近一千年的演变，歌剧音乐用声音来传达情感，用音乐来讲述故事。它不仅仅是一个螺旋桨情节的同时，也是情感的放大器，使人物的喜怒哀乐、故事的转折充满张力。音乐审美体现在对人物的识别和推动情节的发展，丰富多样的艺术观的发展。 概览：歌剧音乐的元素 我国幅员辽阔，方言体系的差异和地域文化的丰富，造就了戏曲音乐独特的“南腔北腔”的特点。全国现有戏曲剧种348个，共同构成了一个庞大的戏曲谱系，而声调是区分不同戏曲剧种的重要标志。明代学者王士祯总结道：“北方刚健雄伟，南方清柔”。秦腔等北方剧种有一种来自黄土高原的摧残感，呼应北方的英雄本色赫尔纳斯。秦剧中的彩脸“吼”，以高亢激昂的声音表达情感，让人更加心满意足。南剧如越剧，声音如江江人般温柔动人，符合南方人温柔的举止。越剧《梁祝》中的“十八送别”二重唱，用悠长而动听的旋律，清晰地表达了人物告别时的细腻感情。京剧主要有西皮和二黄两种腔调：西皮脱胎于北方梆子腔，曲调明亮高亢，适合表达欢乐和紧张，具有北方男孩豪爽的行为举止；二黄来自安徽、湖北，语气平静、稳重，适合表达冥想和悲伤，有温柔少女的风范。喜欢活泼刺激的可以听河北梆子、山西梆子；那些喜欢温柔和g的人民族风格可以听昆曲、黄梅戏。它生动地体现了戏曲音乐与本土文化之间的符号，以及隐藏在音符中的“文化乡愁”。 京剧器乐伴奏的“文场”与“武场” 歌剧音乐主要由演唱和伴奏两部分组成。其中，以歌唱为主。不仅是推动情节发展的主要载体，也是描述人物身份、塑造人物形象的主要方式。戏曲舞台遵循“有声即唱”的原则。无论是唱一首诗，还是像引子一样背诵曲子，背韵，叫禁，对背，数板，抑扬顿挫地背诵，甚至笑、哭甚至咳嗽等生活动作，发出的声音都有歌唱的节奏。伴奏乐器分为“文昌”和“武昌”，为声音和声音提供支持。表演。文学场主要由音乐管弦乐队组成，如胡琴、笛子等，它们不仅负责歌唱时的托音、维持音调，而且还演奏现场音乐，渲染气氛。武术舞台上以锣、鼓等打击乐器为主，负责协调演员的肢体动作和歌唱，控制节奏、投射气势。尤其是在武侠剧中，武术伴奏是舞台上提振精神、振奋精神的“肌肉”。戏剧中，弦乐在某些场景中可以暂停，但锣鼓却必须从头到尾演奏，故有“锣鼓半戏”之说。 歌剧音乐由曲牌组合和板式变奏两大体系组成。两者就像是两种不同的“建筑结构”。 “曲牌”与“辞牌”相似，都是写“l”。词根据乐谱而作，都有独特的名称和固定的节奏。比如《牡丹亭》中的“早落跑”、“不不叫”、“珊珊羊”都是歌名。几种音调根据戏剧叙事的需要组合成一套“组曲”，就是一部戏剧的配乐。一场戏由多个叠组成，对应于几套组曲。这种结构始于南戏、北戏，成熟于昆曲、高腔。 Bangai变奏是基于一对“上下乐句”来表演主题的变奏。通过改变节奏、速度和旋律，形成了原始板波、慢板、快板、松板等各种“板改”。京剧、豫剧、评剧等大部分剧种均采用此制。板式就像歌唱情感的“心跳”，“板”代表强拍，“眼”代表弱拍。这就是成语“一“禁一只眼”和“一禁三眼”的由来。不同的格式对应不同的情感表达，给演员更大的发挥空间，准确地适应当时人物的情绪。江川在京剧《四郎探母入宫》中，通过格式的变化展现了人物的情感波动：开场时，杨四郎独自沉思。唱“杨四郎”时， 《燕回坐宫庭思喟》，用【西皮慢板】表现人物情绪的升腾，悠长的旋律传达了归家的悲伤；当铁镜公主问起心事时，二人转为《西皮远半》对唱，节奏稍快，如日常对话般自然；当杨四郎在 《西皮快板》二重唱并得到公主的帮助，以《叫小凡》的《嘎调》结束，情绪瞬间被推高舞台上充满惊喜和兴奋。只要跟随棋盘风格节奏的变化，就能清晰地看到角色内心的情感脉络。 悦耳：戏曲音乐的打开方式 一些刚接触歌剧的人可能会觉得自己和歌剧音乐之间隔着一层“面纱”。他们不会理解“白呀呀呀”的节奏，也不会理解“叮叮棒棒”锣鼓的含义。梅兰芳说：“音色新旧并不重要，最重要的是好听。”欣赏歌剧音乐时，不必拘泥于歌词，不必强迫自己背专业术语，也不必背负沉重的文化包袱。只要领会情感，品味美，进而领会意境，就能实现从“入耳”到“入心”的跨越。 首先是听“情绪”，跟随旋律的升起看陈深入情感，在“声情并茂”中捕捉歌剧的灵魂。程砚秋说：“要把词意、情感唱出来，悲伤、喜悦、愤怒、仇恨都要表达给观众，而且还要优美。” 《乐府之声》解释道：“隔墙听，留意人的衣着、肤色、相貌、举止，所见，此为曲终”。声音是“人物的声音”，描写微妙玄妙的思想，外化内心的情感，达到“以声塑造人”、“听者所感，即人所感”、“人物是活的”的追求。在京剧《霸王别姬》《巡视》中，虞姬唱的【南梆子】“我不在十处，释放悲伤”。 “悲伤”二字变成了高音，他分享着心中积攒的悲伤。声音越高，悲伤越难排解；他唱的【西皮二流】“成功或失败的那一刻”，如落泪一般，心中的悲伤立刻显现出来。说到“心旷神怡，畅饮富贵”时，突然变得明朗起来，表现出他擦干眼泪，强迫自己快乐的另一面”，令人感动。 接下来，品味“韵”。美是在歌唱中产生的，美蕴藏在巧妙修饰的措辞和吐字以及复杂多变的声音之中。一首好歌，你越品味，它的味道就越好。从梅兰芳《贵妃醉酒》的雍容华贵，到尚小云《廖红玉》活泼婉约的性格，再到《红娘》的活泼细腻，都能品味到不同类型的“戏”。 重赏“景”，歌剧通过听觉和视觉相结合的方式来描述景，听者在“以声画画”的意境中“看到”形象。在《三岔口》中，锣鼓的节奏变化改变了语言，清晰地展现了两位英雄在黑暗中战斗的场景。锣鼓慢时，两人互相试探；当他们速度快时，战斗达到高潮；当他们速度快时，战斗就会达到高潮。突然停下来，两人处于一个空间，“寂静胜有声。” 《贵妃醉酒》中，杨玉环唱“玉桥倚栏”时，“玉桥”二字用三重一息配合巴万一音，使音色清朗明朗，清晰地描绘出他在桥上行走时浮躁的身影和呼吸的脚步。只需聆听观众的声音，就可以营造出清晰的场景氛围，并“看到”人物的动作和表情。 古韵新声：歌剧音乐时刻的活力 当代，歌剧音乐以其正气、创新的行为，积极与现代艺术形式碰撞融合，焕发出新的活力。的遗产。这些现代主义者并不把歌剧视为一种“元素”或“装饰品”，而是从歌剧本身汲取精神内核，在歌剧的根部绽放新的花朵，从内部潜入歌剧中“融化”的古典之美和东方情趣，达到“悄然滋润巴盖”的文化传播效果。 在流行音乐领域，“戏曲+流行”成为民族音乐风格的亮点，推动了戏曲音乐“圈外”的传播。流行音乐《五家坡2021》将京剧《五家坡》中的经典咏叹调与摇滚风格相结合。电影《满江红》中的“豫剧味”配乐来自著名豫剧片段《探阴山》。此次跨界合作，为歌剧音乐开辟了新的道路。 《背水寒》游戏融入了昆曲元素。 《原神》中新人物“曲云”的唱腔取材于贵州戏的高音；儿子g《华阴老调呐喊》结合了摇滚和陕西老调，《秦淮景》则采用了评弹韵。歌剧音乐在交响乐领域也表现出很强的融合性。第三交响曲包元凯的《京剧》以京剧各行各业的音乐为基础，与气势磅礴的西方交响曲相结合。被誉为“东西方文化的交响曲”。 戏曲音乐美学深处，蕴藏着中国人独特的中国风格，蕴含着最浓烈的民族情感，讲述着最动人的东方故事。也许是某部戏让你想起了年少时长辈的迷恋，也许是某部剧让你感受到了古人的情怀，也许是某部跨界合作让你发现了戏曲的现代之美。久而久之，你会发现，那些曾经感觉“陌生”的“白呀”声音，已经成为你身边亲近、融为一体的“老朋友”了。融入您的日常审美。当我们聆听这跨越时空的中国爱情，进入这持久的声音，让古老的旋律唤醒我们血液中的文化记忆，我们就有了对戏曲音乐最好的欣赏。 《光明日报》（2025年10月22日第16页）